──

たまたまかもしれませんが、
この常設展シリーズの取材をしていると、
瀧口修造さんのお名前が、
ひんぱんに出てくるんですよね。

富山県美術館の初期コレクションは
瀧口さんの助言のもとに構築されたとも
うかがいましたし、気になってます。

島本

ええ、日本におけるシュルレアリスムの
中心的な人物ですね。

詩も書けば美術批評もこなし、
こうして、自身で作品もつくりました。
ファンも多いです。
ちょっと他にいないタイプの人ですね。

提供：アーティゾン美術館　撮影：木奥惠三

──

早くからミロを評価してたんですよね。

島本

はい、おっしゃるとおりです。
世界で初めてミロの研究書を書いた人。

──

世界で初‥‥って、すごいですよね。

故郷のスペインや、
活動していたパリでも書かれていない時点で、
日本人が、日本で書いたって。

島本

１９４０年でしたか。

──

ミロも嬉しかったでしょうね、きっと。

島本

瀧口が、その研究書を携えて渡欧して
ミロ本人に渡したら、
その場にいた人から
「これは世界でいちばん早い研究書だ」
と言われたという逸話が残っています。

──

ミロさんの隣にいた人の、お墨付き！

島本

このあたりが、
瀧口の周辺に集まっていた作家たちの
作品になります。

絵描きだけでなくて、音楽や演劇など
総合的な芸術活動をしていた
実験工房というグループがありまして。

提供：アーティゾン美術館　撮影：木奥惠三

──

ええ。こちらの作品は、デュシャン？

島本

はい。

──

デュシャンも、よく出てくるんですよ。
この取材をしていると。

デュシャンっていうと、
何よりまず、
あの便器のイメージが強いんですけど。

島本

ええ。

──

やはり革命的な人だったんでしょうか。

島本

はい、若いときに絵を辞めてしまって、
いわゆる芸術的創作とは
まったく別の方向へ向かった人ですね。

２０世紀美術に、多大な影響を与えました。
これは断片的なメモや紙片の複製を、
フォルダーにわけて箱に収納した作品です。

──

これが「表現」なんですね。

島本

デュシャンの思考を作品化したものです。
絵画や彫刻といった、
いわゆる美術の形態をとらなくても創作だ、と。

──

なるほど。

島本

むしろ、カンヴァスに描かれた絵は
目で視覚的に捉えられたものに過ぎず、
模倣的だといって、
デュシャンは、芸術的なリアリティを
感じなくなってしまうんです。

──

絵として描かれる以前の思考について、
以前、山口晃さんが、
似たようなことをおっしゃってました。

頭の中でああしてやれこうしてやれと
考えているときが最高に楽しくて、
それを絵として描く作業は
ほとんどつじつま合わせです‥‥って。

島本

ああ、なるほど。おもしろいですね。

これなどは少し遊び心のある作品です。
自分で自分の過去の作品を複製して、
トランクの中に、収めているんですよ。
それを携帯できる美術館という具合で。

──

へええ‥‥あ、ちっちゃい「泉」も！
しかも使用可能っぽい（笑）。

提供：アーティゾン美術館　撮影：木奥惠三

島本

このトランクの作品は、
いくつかのエディションが存在します。

どれもコンセプトは一緒なんですが、
収められているものが、
ちょっとずつ異なっているんです。
これはシュルレアリスムの画家である
エンリコ・ドナティと、
その夫人に、捧げられた作品です。

──

こっちの「箱」は‥‥。

島本

造形作家、ジョゼフ・コーネルの作品。

デュシャンはアメリカへ行くんですが、
コーネルは、
同じ時期に活動していて、
デュシャンからも
熱狂的に支持されていた作家なんです。

──

へえ‥‥コーネルさん。なんか、いい。

提供：アーティゾン美術館　撮影：木奥惠三

島本

このような箱の作品が彼の代表作です。

１９３０年代から制作をはじめ、
箱の中に、
書物からの切り抜きや映画の複製写真、
球状のコルクなどを、
コラージュしていった作品です。

──

いまでこそ、
そこまでめずらしい作風ではないけど、
当時は斬新だったんでしょうね。

この、芸術家のひとつのちいさな世界。

島本

はい、それぞれの物体は
特別な意味を持ってはいないんですが、
こうして
ひとつの箱の中に同居させることで、
互いに不思議な連関が生まれてきます。

たしかに、ちいさな世界ではあるけど、
とてつもない発想だったと思います。

──

デュシャンも、お好きだったんですね。

島本

ええ、デュシャンの作品制作を、
コーネルが手伝ったりもしたそうです。

──

で‥‥このあたりは、
第二次大戦の後のフランスの抽象美術。

島本

デュシャンがアメリカで
いまのような作品をつくっていたとき、
フランスでは、
このような作品が生まれていました。

中心的な役割を担ったのが、
このジャン・デュビュッフェであり、
新収蔵の扱いではないんですが、
ジャコメッティといった人たちでした。

──

この《泥の中の顔》とか、すごいなあ。

まさに泥のカンヴァスみたいなものに、
人の顔が描かれていて‥‥。

島本

さまざまな解釈があるとは思いますが、
時代的なもの‥‥つまり、
世界を巻き込んだ戦争で
人間性が危機に陥った直後だったので、
無意識に、
無自覚に人間を描くということが、
できなくなった時代だと思うんですね。

──

それで、
人間の顔をこのように表現した。

島本

世界や人間性の危機に対して、
美術はこれでいいのか、という想いも、
きっとあったと思うんです。

舗装された道路みたいな感じですよね。
オート・パットと呼ばれる支持体です。

──

オート・パット？

島本

はい、フランス語なんですけれど、
オートは「高い」で、
パットは「ペースト」、つまり「地」。

土や泥、
コールタールなどを混ぜたものですね。
そこに、こうして人の顔を描く。
目や歯は小石を埋めて表現しています。

──

はあ、本当だ。よく見ると。

島本

そうやって、従来の美術が
相手にはしてこなかった素材を使って、
ゼロから美術をこしらえる‥‥
ということを自覚的にやった作家です。

ちなみにこの人は、
４０代から作家活動をはじめますけど、
芸術家になる前は、
ワインの卸売りをやっていたんですよ。

──

へええ、おもしろい経歴。

知らない人が、いっぱいいるんだなあ。
あらためて、ですけど。

島本

ここからは、最後のフロアに入ります。

１９５０年代、日本の芦屋で誕生した、
具体美術協会をご紹介します。

──

吉原治良さんなんかで、有名な。

島本

はい。

表現の仕方は十人十色なんですけれど、
ダイレクトな、
生々しい表現を志向した人たちです。

提供：アーティゾン美術館　撮影：木奥惠三