──

東京では、国立近代美術館で、
吉原治良さんの「黒地に円」の作品を
見ることができますよね。

あの作品にはじめて触れたとき、
これは何だろう‥‥と疑問に思いつつ
吸い込まれるように感じたことを、
いまでも覚えています。

島本

吉原治良は、
戦争の前から関西の前衛芸術家として
活動していた人ですが、
彼を中心に、
若手作家たちで結成されたグループが、
具体美術協会です。

──

元永定正さんも、具体の方ですよね。

島本

代表的作家です。上から絵の具を流して、
重ねるように、また垂らして。

偶然性をたくみに取り込んだ作品です。

元永定正《無題》1965（昭和40）年 © Motonaga Archive Research Institution Ltd.

──

なんだか素人目には、印象として、
どっちかというと
抽象的に見えるものもあるんです。

具体って言うけど。

島本

ああ、なるほど、なるほど。

具体美術協会の理念は、
形態としての抽象を否定するものでなく、
精神が自由であることを
具体的に提示すること‥‥だったんです。

──

あ、そうなんですか。
精神の自由を具体的に表現しているのか。

島本

はい。ようするに、彼らは、
それまでの抽象的な芸術表現にたいして、
手応えのなさを感じていた。

具体にはさまざまな表現がありますけど、
共通して言えるのは、
線も何もない平面に、
色彩がダイレクトにほとばしっていたり。

──

ええ。生命力みたいなものを感じます。

島本

そう、身体性を感じさせる作品だったり。

──

白髪一雄さんが足で描いてたりして。

白髪一雄《観音普陀落浄土》1972年

島本

はい、そういった表現に
リアリティを感じていたんでしょう。

田中敦子の作品なども、
当館で紹介するのは２回目になりますが、
休館中に加わった新収蔵品のひとつ。

──

すごいエネルギーを感じますよね。

島本

女性の作家が登場してくると、
一気に戦後という雰囲気が高まりますね。

さて、次は、オーストラリアの
アボリジナル・アートをご紹介しています。

──

以前のブリヂストン美術館のころから、
こうしたアボリジナル・アートには、
力を入れていらっしゃったようですね。

島本

はい、その点は、
アーティゾン美術館でも継続してます。

ここにある作品は近年収蔵したもので、
今回はじめて公開しました。

提供：アーティゾン美術館　撮影：木奥惠三

──

オーストラリアの美術って、
どういう立ち位置にあるんでしょうか。

島本

美術館がコレクションする対象は
西洋か日本の作品、
もしくはどちらも‥‥というケースが
ほとんどだと思うんですが、
その意味でいうと、
オーストラリアは「第三極」です。

──

ええ。

島本

彼・彼女たちは、
アカデミックな教育を受けていません。
つまり西洋美術とは、
別のバックグラウンドを持つ作家たち。
美術を相対的に捉えるうえで、
今後、ますます重要になると思います。

──

特色みたいなものって‥‥。

島本

わたしたちの目に見慣れた芸術表現を、
ことごとく
否定しているようなところがあります。

素材も、樹皮などはじめ、
自然由来のものを使っていたりだとか。

──

たしかに、また別の文脈を感じますね。
西洋の影響は、限定的？

島本

もちろん、交流自体はありましたから、
まったくのゼロではないと思います。

とくに、このアボリジナル・アートって、
先住民の美術ですから、
彼らが、どんなふうに
他の文化と接していたかによりますね。

──

そうこうしているうちに、
ラストのセクションに入ってきました。

島本

マティスです。

──

このあたりも‥‥ぜんぶ新収蔵ですか。

島本

はい、そうですね。
この６点が新しく収蔵されたものです。

とりわけ、この作品がユニークです。

アンリ・マティス《ジャッキー》1947年　※マティスのセクションは９月５日の展覧会閉幕まで継続しますが、作品の状態保全上、取材時より作品点数を減らしての展示となっています。ご紹介している《ジャッキー》と《画室の裸婦》は展示を継続しています。

──

いいなあ、これ！

何だか、すごーく肩の力が抜けていて、
それでいて、
マティスの作品だとすぐにわかります。

島本

マティス最晩年の作品で、
身体の自由が利かなくなってきていて、
切り紙絵をはじめたころ。

──

切り紙絵というと、
有名な《ブルー・ヌード》とかですか。

島本

はい。

この作品は、
自分でも気に入っていたのか、
マティスの書斎に掛かっていたことが、
遺された写真で確認できるんです。

──

へえ！　そうなんですか。

そういった作品が、
めぐりめぐってここにかけられている。

島本

そうなんです。

──

当時も額装されていたんでしょうか。

島本

いや、自身の作品ということで、
おおらかに、
そのまま壁に飾っていたようです。

──

昔の写真に写っている作品が、
いま、ぼくたちの目の前にあるって、
何だか、すごいことですよね。

マティスを介して、
何十年もの時間を飛び越えて、
空間がつながるような感覚というか。

島本

そうですよね。
こちらの《画室の裸婦》という作品は、
まだ「野獣派」と呼ばれる前の作で、
洗練には至っていないけれども、
原色を使った荒々しいタッチで、
後のマティスの原型が表れています。

世界的に見ても重要な作品で、
貸し出しの依頼も多い作品なんです。

アンリ・マティス《画室の裸婦》1899年

──

ああ、そうか。貸したり借りたりも。
ありますよね、マティスなんかだと。

島本

ええ、そうですね。欧米の美術館だと、
ふだん飾っている場所に
「現在どこそこの美術館に貸出中です」
という札が掛かっていたりします。

──

パリのオランジュリーに行ったとき、
モネの睡蓮の部屋以外の
常設展示室がぜんぶクローズしていて、
ガッカリしたんです。

でも、帰ってきたら、
そのコレクションが、横浜美術館に、
どーんと来ていたことがありました。

島本

ははは、そういうことが（笑）。

──

海外の作品が日本にやって来るのは
しょっちゅうありますけど、
よく考えたら、
日本から
海外へ行くこともあるんですよね。

島本

ええ、頻繁にありますよ。

──

こちらからも、世界の美術館へ。

島本

はい。

──

ぼくら観客の知らないところで、
人類のお宝みたいな名画が、
世界の空を、
行ったり来たりしてるんですね。

島本

お電話をいただくこともありますよ。
あの作品いま見られますか‥‥って。