──

このあたりは、ルネサンスの絵画ですかね。

新藤

ええ、14世紀、15世紀とお考えください。
こちらの壁がイタリアで、
反対側の壁が「北方」と呼ばれる地域です。

ルネサンス前後の西洋美術史では、
アルプス山脈によって隔てられた
「南」と「北」との区分が、
非常に重要になってくるんです。

──

南のイタリアでは「ルネサンス」ですよね。

新藤

はい、簡単に言えば、
古代ギリシア・ローマの文化的記憶を
再生しようという運動がルネサンスですが、
それを後追いするようなかたちで、
アルプスの北側で、北方ルネサンスや
ドイツ・ルネサンスと呼ばれる動きが起こる。

さっきのクラーナハなども、北方ルネサンス、
ドイツ・ルネサンスを体現する画家です。

──

ヤン・ファン・エイクとかも、でしたっけ。
《アルノルフィーニ夫妻の肖像》を描いた。

新藤

はい、「北方ルネサンス」という概念自体が、
とても問題含みなのですが、
ヤン・ファン・エイクらの作品は
「初期ネーデルラント絵画」と呼ばれます。
イタリアのルネサンスとはまた少し異なる、
刷新的な芸術運動なんですが、
ともあれ、アルプス山脈を挟んだ南と北の
美術の交流や接点、もしくはちがいへの理解が、
この時期の西洋美術を考えるうえで、
とても重要になってきます。

──

なるほど。北方については
何となく名前を知ってるくらいだったので、
ちょっと勉強してみます。

アンドレア・デル・サルト《聖母子》

新藤

こちらのアンドレア・デル・サルトは、
フィレンツェの
盛期ルネサンスを代表する画家です。
《聖母子》ということで、
聖母マリアとキリストを描いています。
幼いキリストの筋肉質な身体は、
当時の彫刻的表現と共通しています。

で‥‥この絵がまた、おもしろくて。

──

はい、見るたびにハッとする絵ですけど、
おもしろい‥‥とおっしゃいますと。

新藤

はい、向かって右側のキリスト像は
1980年度に購入しているんですが、
マリアを描いた左側の絵は、
だいぶあとの2007年度に購入したんです。

ディーリック・バウツ（派）《悲しみの聖母》《荊冠のキリスト》

──

右と左で、30年近くの隔たりが。

新藤

この作品って、
もともとディーリック・バウツという
現在のベルギーで主に活動した画家が描いた原作の、
いわば「コピー」なんですね。

これに類する作品が、
ルーヴル美術館にも、シカゴ美術館にも、
ロンドンのナショナル・ギャラリーにも、
もう何十枚と存在するんです。
キリストの「受難」の痛みと、
それに対するマリアの「悲しみ」を描いた
両方とも祈念像と呼ばれる形式の絵画なんですが、
この「対」が、
20世紀にバラバラになっていたんですね。

──

それで、キリスト側だけ先に、こちらに。

新藤

そうなんです。
でも、あるときに、あるところから
「これ、おたくの美術館のあのキリストの、
対のマリアじゃないですか？」
ってお話が来て、購入に至ったんです。

わたしが美術館に入ってすぐのころでしたが、
当時の上司に、
「もともと一緒だったんだから、
並べて展示するんじゃなく、
蝶番でもともとのようにつなぎませんか？」
と提案し、いろいろ相談してこうなりました。

──

おお、すばらしい。

でも、そんなに何十枚も同じ絵があるのに、
よく「対」だとわかりましたね、その人。

新藤

裏に書かれた銘文を調べると
同じスペインの修道院にあったことがわかり、
様式も共通していたので
「対である」ことはあきらかでした。

──

でも、いつか何かの理由でバラバラになって、
別々の場所で、長らく保管されていた。

それがここで出会って、ふたたび、ひとつに。
すごいことですね‥‥！

新藤

そういうことが起こるのが、美術館ですよね。

さっきも同じような話をしましたけど、
配達先の異なる手紙が、
なぜだか日本の東京・上野で出会ったみたいな。
さて、このあたりからはマニエリスム、
バロックという時代へと、入ってきます。

──

目を引く絵ですね。《聖ドミニクス》。
かっこいい作品だなあ。

新藤

フランシスコ・デ・スルバランという画家で、
スペイン・バロックの巨匠です。

非常に重要です。2019年に収蔵されました。

フランシスコ・デ・スルバラン《聖ドミニクス》

──

ちなみに
このカルロ・ドルチの《悲しみの聖母》の青、
すばらしい青ですけど、
これって、めっちゃ「高い青」なんですよね。

新藤

はい（笑）、ラピスラズリですね。
実際、かなり高価な顔料でしたね。

カルロ・ドルチ《悲しみの聖母》

──

ラピスラズリばっかり使ったフェルメールは、
借金をたくさんつくっちゃったそうで。

新藤

明と暗をはっきりさせた表現が、
典型的なバロック絵画の在り方です。

こちらは、ルーベンス。

──

はい、赤ちゃんふたり。記憶に残る作品です。

ペーテル・パウル・ルーベンス《眠る二人の子ども》

新藤

ルーベンスって、この赤ちゃんふたりの顔を、
ほぼこのまま、
宗教画で天使の顔にして使っているんですね。

ほんとうに、この表情を活かしています。
かなりぴったり当てはまる。
お兄さんの子どもだったと言われていますが、
ルーベンスは、そうやってひとつの絵を、
他の作品に転用するということもやっていた。
隣は、アンソニー・ヴァン・ダイクの肖像画。

──

こういう巨大な全身肖像画を見ると、
国立西洋美術館の常設に来たな、
という満足感に満たされます。

アンソニー・ヴァン・ダイク《レガネース侯爵ディエゴ・フェリーペ・デ・グスマン》

新藤

ああ、ありがとうございます（笑）。
たしかに、当館ならではの作品かもしれない。
全身肖像画はそれ以前にもありましたが、
17世紀くらいから、
たとえば「静物画」が出てきます。

それまでは、
登場人物をとりまく物語を描いた絵のほうが
重要だったわけですが、
物語画の付随的な存在に過ぎなかった
植物や花、本や楽器などが、
それだけで絵になる時代になってくるんです。
宗教性や物語性を後退させて、
モノだけを見せる作品が出てくるんですね。

──

でも、ただの「モノ」じゃない。

新藤

たいていメッセージが込められていますね。

この作品などは「ヴァニタス」と言って
17世紀の静物画の典型的な主題。
「死を忘れるな（メメント・モリ）」
という言葉がありますが、
「儚さ」を暗示するモノばかりなんです。
頭蓋骨、火の消えた蝋燭、砂時計、
壊れやすいガラス‥‥
楽器は笛ですが、
音というのもすぐ消えてしまうものですよね。

──

いろんなモノで「儚さ」を暗示している。

新藤

ヴァニタス画を得意としていた、
エドワールト・コリールという作家の絵です。

エドワールト・コリール《ヴァニタス－書物と髑髏のある静物》

──

現代の人‥‥少なくとも自分は
説明されないとわからなかったんですけれど、
当時の人たちって、
この作品を見て「死を想った」わけですかね。

新藤

そういう知識を持っていた人が
見ていたと思います。
次の作品は「ブリューゲル」です。

──

はい、いろいろ（父）と（子）がいる‥‥。

新藤

そう、この絵の作者はヤン・ブリューゲルで、
ピーテル・ブリューゲル（父）という、
たくさん存在する「ブリューゲル」のなかで、
もっとも有名な作家の息子の作品です。

ただ「ヤン・ブリューゲル」にも
「父」と「子」がいて、
この森林風景は
ヤン・ブリューゲル（父）が描いたものです。

──

ややこしいなあ（笑）。

新藤

じつに豊かな風景画ですが、
きちんとアブラハムとイサクの物語が、
描かれています。ちいさく。

あくまで「ちいさく」描かれていて、
森林風景のほうが主役になっているともいえます。
いわば、宗教的モチーフは
風景表現をおこなうための「口実」として
描かれているようにも見える。
このような表現が、
16世紀くらいから徐々に見られはじめます。
そして17世紀のオランダにいたると、
風景画がひとつのジャンルとして成立する、
と一般的には言えます。

ヤン・ブリューゲル（父）《アブラハムとイサクのいる森林風景》

──

風景画の誕生。

当時のオランダはめちゃくちゃ景気がよくて、
市民社会が発達していて
宗教画や物語画以外の絵‥‥
たとえばフェルメールの室内画みたいな絵も
どんどん描かれて売れていったと、
そういうような説明を、よく聞くんですけど。

新藤

王侯貴族とはちがう、
市民の価値観というものがうまれたんですよね。

このヤーコプ・ファン・ロイスダールの絵では、
ちいさく羊飼いが描かれてはいますが、
風景そのものが対象にされていますよね。

ヤーコプ・ファン・ロイスダール《砂丘と小さな滝のある風景》

──

いまの感覚でいうと、風景画や風景写真って
ふつうに撮ったり描いたりしますけど、
この時代は、それが「新しかった」んですか。

新藤

それまでは
伝統的なキリスト教の価値観のなかで、
宗教的なモチーフを描く‥‥ということが、
西洋の絵画のスタンダードでしたから。

でも、
プロテスタンティズムの台頭とも関係しますが、
新たな市民の価値観が育ってきたことにより、
宗教主題から解放された風景画や、
ひとびとの生活の場面を描いた風俗画などが
絵の主題になっていったわけです。
同じ17世紀に、
フランスにはクロード・ロランのような
繊細に大気の移ろいをとらえつつ、
理想風景をつきつめる画家もいました。

クロード・ロラン《踊るサテュロスとニンフのいる風景》